"Es un orgullo tener en Cuba a una orquesta como esta. Es un sueño de muchos años que finalmente se materializa", afirmó el maestro Enrique Pérez Mesa, director titular de la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba, a propósito del encuentro que sostendrán, por primera vez, la Orquesta Sinfónica de Venezuela (OSV) y su homóloga cubana. Ambas compartirán escenario el domingo 27, a las 5:00 p.m., en el Teatro Lázaro Peña de la capital, donde protagonizarán un concierto de música cubana y latinoamericana, bajo la dirección del maestro Theodore Kuchar y del propio Enrique Pérez Mesa, respectivamente. Este concierto tendrá como cantantes invitadas a la venezolana Cecilia Todd y a la cubana Argelia Fragoso.
Un primer contacto con el público cubano lo tendrá la OSV el viernes 25, a las 9:00 p.m, en este mismo teatro, donde bajo la batuta del ucraniano Theodore Kuchar, titular de la OSV desde febrero de este año, hará un programa homenaje a los grandes maestros rusos Chaikovsky y Prokofiev.
En conferencia de prensa efectuada en la Casa del Alba Cultural, se conoció que los músicos de esta prestigiosa agrupación sostendrán durante su estancia en Cuba encuentros con profesores y alumnos de la Escuela Nacional de Artes y del Conservatorio Amadeo Roldán. En estos centros ofrecerán clases magistrales a docentes y jóvenes músicos cubanos, con los que compartirán conocimientos e igualmente, visitarán tres escuelas secundarias, en las que se imparte el nivel elemental de música, con su programa sociocultural La OSV en mi escuela.
Este es un programa que desde hace años desarrolla la orquesta en Venezuela, con el objetivo de llevar la música de concierto a los niños en sus propias escuelas. Ello les permite familiarizarse con los diferentes instrumentos y músicas.
jueves, 24 de noviembre de 2011
miércoles, 26 de octubre de 2011
Falleció el músico anglo-venezolano Edmundo Ros
El influyente músico anglo-venezolano Edmundo Ros, falleció el viernes en Alicante, España, apenas dos meses antes de cumplir 101 años, dijo su familia ayer sábado.
Edmundo Ros inició su carrera musical en el ejército venezolano, pero realmente se consolidó una vez que se mudó a Londres, Inglaterra, en 1937.
Douglas, el hijo de Edmundo Ros, dijo que su padre sirvió como “embajador de la música latinoamericana” en la capital británica, introduciendo en el país el ritmo de la rumba y su música fue tan popular que la entonces princesa Isabel (hoy reina de Inglaterra) tuvo su primer baile público al compás de la orquesta de Edmundo Ros, en la década de 1940.
EDMUNDO ROS
Edmundo William Ros nació en Puerto España, Trinidad, el 7 de diciembre de 1910, era hijo de una venezolana con ascendentes africanos, y su padre era escocés, por lo que poseía nacionalidad venezolana y británica. Fue un músico, vocalista y director de orquesta, conocido internacionalmente por su fusión de la música latinoamericana tradicional y moderna.
En el mundo anglosajón, se le llama con el sobrenombre de “King of Latin American Music” (“El rey de la Música Latinoamericana”).
SU VIDA
Sus padres se separaron siendo él muy joven, por lo que se trasladó en 1927 con su madre a Caracas, Venezuela, ingresando después en la Escuela Militar, época en la que se le despertaron sus aficiones musicales al entrar a formar parte de una banda militar donde tocó el bombardino durante unos 4 años y más tarde recibió una beca de música del gobierno. Vivió en Caracas hasta 1937. En junio de 1937 se trasladó a Londres, Inglaterra, para estudiar música clásica en la Academia Real de Música y pronto volvió a tocar música popular.
RECONOCIMIENTO BIEN GANADO
En 1939 formó su propia banda de rumba y en 1941 y tocaba regularmente en el elegante club “Coconut Grove” en Regent Street, que atraía a muchos miembros de la alta sociedad y se ganó el reconocimiento con la canción “Los Hijos de Buda”.
En 1946 poseía un club, una escuela de danza, una compañía discográfica y agencia de artistas. Su banda creció hasta los 16 músicos. Su álbum “The Wedding Samba” vendió tres millones de copias en 1949.
En 1951 compró el club “Coconut Grove” y lo rebautizó con el nombre de 'Edmundo Ros' Dinner and Supper Club, que se hizo popular por su atmósfera y música; éste cerró en 1965. De 1964 a 1968 regentó el internacionalmente conocido y muy exclusivo “Edmundo Ros Club”, en Regent Street, Londres.
CONDECORADO POR LA REINA ISABEL
En 1975, a la edad de 65 años, se retiró y se radicó en Jávea, en España, y el 8 de enero de 1994 dio su último concierto público, y a la edad de 100 años, Edmundo Ros todavía seguía fuerte y su majestad, la reina Isabel II de Inglaterra, le concedió la Orden del Imperio Británico, en la “Honours List”.
Según su familia, Edmundo Ros falleció pacíficamente este viernes en Alicante, España, donde hoy se realizará el funeral privado del músico.
Edmundo Ros inició su carrera musical en el ejército venezolano, pero realmente se consolidó una vez que se mudó a Londres, Inglaterra, en 1937.
Douglas, el hijo de Edmundo Ros, dijo que su padre sirvió como “embajador de la música latinoamericana” en la capital británica, introduciendo en el país el ritmo de la rumba y su música fue tan popular que la entonces princesa Isabel (hoy reina de Inglaterra) tuvo su primer baile público al compás de la orquesta de Edmundo Ros, en la década de 1940.
EDMUNDO ROS
Edmundo William Ros nació en Puerto España, Trinidad, el 7 de diciembre de 1910, era hijo de una venezolana con ascendentes africanos, y su padre era escocés, por lo que poseía nacionalidad venezolana y británica. Fue un músico, vocalista y director de orquesta, conocido internacionalmente por su fusión de la música latinoamericana tradicional y moderna.
En el mundo anglosajón, se le llama con el sobrenombre de “King of Latin American Music” (“El rey de la Música Latinoamericana”).
SU VIDA
Sus padres se separaron siendo él muy joven, por lo que se trasladó en 1927 con su madre a Caracas, Venezuela, ingresando después en la Escuela Militar, época en la que se le despertaron sus aficiones musicales al entrar a formar parte de una banda militar donde tocó el bombardino durante unos 4 años y más tarde recibió una beca de música del gobierno. Vivió en Caracas hasta 1937. En junio de 1937 se trasladó a Londres, Inglaterra, para estudiar música clásica en la Academia Real de Música y pronto volvió a tocar música popular.
RECONOCIMIENTO BIEN GANADO
En 1939 formó su propia banda de rumba y en 1941 y tocaba regularmente en el elegante club “Coconut Grove” en Regent Street, que atraía a muchos miembros de la alta sociedad y se ganó el reconocimiento con la canción “Los Hijos de Buda”.
En 1946 poseía un club, una escuela de danza, una compañía discográfica y agencia de artistas. Su banda creció hasta los 16 músicos. Su álbum “The Wedding Samba” vendió tres millones de copias en 1949.
En 1951 compró el club “Coconut Grove” y lo rebautizó con el nombre de 'Edmundo Ros' Dinner and Supper Club, que se hizo popular por su atmósfera y música; éste cerró en 1965. De 1964 a 1968 regentó el internacionalmente conocido y muy exclusivo “Edmundo Ros Club”, en Regent Street, Londres.
CONDECORADO POR LA REINA ISABEL
En 1975, a la edad de 65 años, se retiró y se radicó en Jávea, en España, y el 8 de enero de 1994 dio su último concierto público, y a la edad de 100 años, Edmundo Ros todavía seguía fuerte y su majestad, la reina Isabel II de Inglaterra, le concedió la Orden del Imperio Británico, en la “Honours List”.
Según su familia, Edmundo Ros falleció pacíficamente este viernes en Alicante, España, donde hoy se realizará el funeral privado del músico.
miércoles, 21 de septiembre de 2011
“La Novicia Rebelde” el musical del 2011 Gran estreno 23 de Septiembre.
The Sound of Music es una de las películas más vistas y más queridas por el público en el mundo entero y su versión musical impactó a Broadway y a América Latina, considerándose una de los espectáculos musicales más exitosos de todos los tiempos. Así que Venezuela no podía ser la excepción y con talento cien por ciento venezolano, la productora Escena Plus se lanza al ruedo en alianza con Showcenter desde el 23 de septiembre hasta el 2 de octubre con esta súper producción: La Novicia Rebelde, con la protagonización de Mariaca Semprún y Rolando Padilla como María y el Capitán Von Trapp.
Les acompañan en el elenco principal: Lucy Ferrero como la Madre Superiora, Gustavo Rodríguez como Max Detweiler, Julio Alcázar como Franz, Natalia Román como Liels Von Trapp, José Pablo Álvarez como Rolf Gruber y Rafael Monsalve. Están acompañados por un grupo de nuevos talentos juveniles que conquistarán al público con su simpatía y que fueron encontrados tras un intenso casting de tres meses. En total son 35 actores en escena.
Una gran atracción para el público representa la maravillosa escenografía que cobra vida al son de la música, creada por Edwin Erminy para darle a la obra vivacidad y movimiento, con una visión fresca y novedosa del musical que es todo un clásico, recreando lo bucólico y alegre del espectáculo desde una perspectiva actual.
La producción ejecutiva está a cargo de Luis Bravo, la producción general es de Claudia Salazar, la dirección general de Vicente Albarracín, dirección coreográfica de Luz Urdaneta, La dirección musical estará a cargo de Elisa Vegas, directora titular de la Orquesta Sinfónica Gran Mariscal de Ayacucho, orquesta que acompañará a esta producción.
Las funciones tendrán lugar en la Sala Ríos Reyna del Teatro Teresa Carreño los miércoles, jueves y viernes a las 8 p.m., sábados a las 3 y 8 p.m. y domingos a las 11 y 5 p.m. a partir del 23 de septiembre y hasta el 2 de octubre. Las entradas ya están a la venta en www.tuticket.com, librerías Tecniciencias Sambil y CCCT, Esperanto San Ignacio, Capital Jazz Tolón y taquillas del Teatro Teresa Carreño. Los precios varían desde 115 bolívares en ubicación general hasta 595 bolívares en premium.
Ficha Técnica: Diseño de Escenografía: Edwin Erminy; Diseño de vestuario: Raquel Ríos; Diseño de Iluminación: Ángel Ancona; Jefe de sonido: Carlos “Tato” García; Diseño Gráfico: Manuel González/ Factoría Gráfica; Fotografía principal: Nicolás Serrano; Video: Orlando Corona; Diseño web: Avatar Estudio Creativo; Asistente de vestuario: Evelia Di Gennaro, Susana Hernández, Natalia; Asistentes de arte: Louran Sbarra, Kyra Álvarez; Realización de escenografía: Jesús Alberto Rojas y A1 Realizaciones, Ramón Pérezpina Producciones Setting; Realización de utilería: Jesús Rojas, David Ladera; Pintura escénica: Jesús Barrios, Rodrigo Rodríguez; Realización de vestuario: Raquel Ríos, Moisés Vicent, Miguel Mendoza, Martha Torrado, Eulogia Mallobre, Delia Hernández, Elizabeth Suarez y Mercedes Badillo; Costurera: Mercedes Badillo; Maquillaje y peinados: Milagros Rodríguez y Ana Kogen; Asistencia de dirección musical: José Rafael Silva: Repertoristas: Maria Alejandra Limardo y Marisabel Sánchez; Coach vocal: Elisa Vegas y José Rafael Silva; Asistente Coreográfico: Ezequiel Vásquez; Asistentes de sonido: Alex Gamardo y Alonzo La Cruz; Asistencia de dirección: Valentina Sequera ; Segunda asistente de dirección: Inmarilé Quintero; Asistente de dirección técnica: Kyra Álvarez; Asistencia de escena: Beto Sánchez, Martín Gabaldón, Roxavy Bianculli, Alejandro Veliz; Tramoyas: Pedro Rondón, Oscar Hernández, Daniel Jaimes y Luis Liendo; Asistente de producción general: Cristina “Titi” Corser; Producción administrativa: Madeleine Russo; Asistente de logística: Andrea Armas.
Elenco: Mariaca Semprun – Maria Rainer, Rolado Padilla – Capitán Georg von Trapp, Gustavo Rodríguez – Max Detweillerr, Julio Alcázar – Franz, Lucy Ferrero – Madre Superiora, Fanny Arjona – Elsa Schraeder, Natalia Román – Liest, Cristhian Vallester – Friederickt, Emily Caraballo – Louisa, Luis Brito / Carlos Rodríguez – Kurt, Alicia de la Bastide / Marianne Cuello – Briggita, Isabella Socorro / Giza Pavone – Marta, Verónica Falcón / Annabella Medina – Gretel, José Pablo Álvarez – Rolf, Lester Arias – Rolf (Cover), Verónica Arellano – Hna. Bertha, Elizabeth Quintanales – Hna. Margarita, Nilbelys Peraza – Hna. Sofía,Rafael Monsalve – Herr Zeller,Jose Roberto Diaz – Almirante Von Schreiber, Maritz Briceño- Ftru Shimdt, Monjas: Andrea Imaginario, Eliana Santander, Karylin Talavera. Salsburgtueses: René Guerra, Abel García, José Rafael Silva, Raúl Blanco, Saúl Mendoza, María Fernando Godoy, Digber Enríquez, Mabe Hernández,Ezequiel Vasquez, Fabioly Lach, Gregorys Garcia.
UNA HISTORIA CAUTIVADORA
En 1965 se estrena el filme The Sound of Music basado en un musical de Broadway con canciones de Richard Rogers, Oscar Hammerstein II y María Von Trapp. Inmediatamente se convirtió en un éxito y Julie Andrews siempre será recordada por su actuación y su inigualable voz, la María que el público amó. Tanto el musical como la película están basados en la historia real de una novicia con poca inclinación religiosa y un viudo Capitán de la naval –con 7 hijos- con quien se casa y parte de luna de miel, para descubrir al regreso que Austria ha sido invadida por los nazis y el Capitán debe regresar a servir de inmediato en su fuerza naval.
El musical se originó a partir del libro La Historia de los cantantes de la familia Von Trapp por María Von Trapp. En el musical sobresalen los paisajes de Austria, influenciados en su mayor parte por la película. El escape de la familia por las montañas de Suiza en la víspera de la segunda Guerra Mundial ofrece uno de los finales más emocionantes e inspiradores jamás presentados en el teatro. La versión cinematográfica del musical sigue siendo la película más popular de todos los tiempos.
miércoles, 6 de julio de 2011
viernes, 30 de abril de 2010
Huáscar Barradas abrirá el espectáculo
La tercera edición del Buchanan´s Forever se realizará el próximo martes en los espacios de la Universidad Simón Bolívar en la ciudad de Caracas. Días previos al evento se develó un secreto muy bien guardado: cuál artista compartirá escenario con el cantautor británico Sting, quien visitará Venezuela en mayo en el marco del programa Learning For Life que auspicia Buchanan´s. El seleccionado en esta oportunidad fue el renombrado músico Huáscar Barradas.
Luisa Fernanda Macías, gerente de Mercadeo para Scotch de Diageo Venezuela, comentó que están muy orgullosos de poder contar con un artista tan talentoso como lo es Huáscar Barradas, que ha llevado una fusión de la música venezolana a importantes escenarios internacionales.
"Para Buchanan´s Forever es muy importante brindar a los asistentes experiencias únicas, de altísima calidad, y estamos seguros de que la trayectoria y propuesta musical de este artista van a contribuir para lograrlo", explicó.
Barradas es zuliano y músico de nacimiento con un gusto significativo por las obras filantrópicas y un apego exacerbado a la premisa de que: "Educación es evolución". Por sus rasgos hiperbólicos en el ámbito del desprendimiento y su profundo conocimiento musical, fue seleccionado entre una amplia gama de artistas nacionales.
Aunque aún no sabe cómo vestirá esa noche del 4 de mayo, garantiza desde ya que su flauta y los seis músicos de su banda serán compañeros seguros en lo que promete ser un concierto benéfico de excelsa calidad.
Barradas es un exponente del "neo-folklore", corriente musical venezolana en la que confluyen diferentes estilos nacionales y extranjeros matizados por el interés de empujar a este arte un producto nuevo de una originalidad que promete posicionarse en el mundo.
En esta Tercera Edición que Diageo promueve en Venezuela, Colombia y México se propiciará la formación de pequeños emprendedores en el camino del éxito para el logro de objetivos que tienen que ver con la evolución personal, familiar y comunitaria.
La organización trabajará de la mano con el Dividendo Voluntario para la Comunidad, que viene haciendo desde hace cuarenta y cinco años una labor ininterrumpida en el desarrollo de las comunidades de más bajos recursos.
Huáscar Barradas es músico desde que tiene uso de razón. Sabe lo que es el trabajo duro y cree firmemente que la educación es el camino más certero y rápido a la evolución de una persona y de todo un país.
Ayer visitó La Morán, una zona popular ubicada al oeste de la ciudad de Caracas. Las comunidades que en ella habitan fueron escogidas gracias a los progresos que DVC ha registrado en los proyectos de iniciativa de pequeñas empresas. Allí se ofrecerán talleres en los que unas 300 personas aprenderán de manera práctica cómo optimizar esfuerzos para el logro seguro de la productividad y el éxito. Se le otorgarán microcréditos a 50 de estos emprendedores en el marco del Proyecto Emprendedor.
La escogencia de los beneficiarios del apoyo financiero estará orientada a impulsar aquellas ideas que tengan un impacto positivo en el progreso de toda la comunidad.
Sting y Huáscar
Quienes la noche del 4 de mayo próximo tengan la oportunidad única de presenciar este evento, cuyo escenario serán los espacios de la Universidad Simón Bolívar, no sólo contribuirán con una obra benéfica que desde 2007 aporta significativos recursos a experiencias renovadoras y productivas, sino que también escucharán a dos artistas de primera línea.
El británico Sting amerita de muy poca presentación, su exitosa e innovadora carrera lo precede al igual que su fama mundial desde que formaba parte de la inigualable The Police.
Este artista sigue innovando con su música, explorando la riqueza de los nuevos privilegiados en este arte y triunfando con su filantropía que lo impulsa a participar en iniciativas como la que lo traerá a Caracas.
Huáscar Barradas, por su parte, es un reconocido músico, flautista consagrado en nuestro país y en el mundo. Este mes, por ejemplo, viajará a Londres donde participará en una gala de conciertos, Bogotá y China son sus otros destinos, éste último en agosto. En su haber se cuentan más de 100 conciertos a escala mundial por año, y más de 100.000 copias vendidas en el país.
Durante su participación en la Tercera Edición de Buchanan´s Forever, Huáscar incluirá temas del inolvidable Vytas Brenner, quien en los ochenta fue pionero en mezclar música venezolana y rock.
A su juicio, la amplitud musical en el país no tiene fin y eso lo mostrará en la Gala con uno de sus artistas favoritos.
Luisa Fernanda Macías, gerente de Mercadeo para Scotch de Diageo Venezuela, comentó que están muy orgullosos de poder contar con un artista tan talentoso como lo es Huáscar Barradas, que ha llevado una fusión de la música venezolana a importantes escenarios internacionales.
"Para Buchanan´s Forever es muy importante brindar a los asistentes experiencias únicas, de altísima calidad, y estamos seguros de que la trayectoria y propuesta musical de este artista van a contribuir para lograrlo", explicó.
Barradas es zuliano y músico de nacimiento con un gusto significativo por las obras filantrópicas y un apego exacerbado a la premisa de que: "Educación es evolución". Por sus rasgos hiperbólicos en el ámbito del desprendimiento y su profundo conocimiento musical, fue seleccionado entre una amplia gama de artistas nacionales.
Aunque aún no sabe cómo vestirá esa noche del 4 de mayo, garantiza desde ya que su flauta y los seis músicos de su banda serán compañeros seguros en lo que promete ser un concierto benéfico de excelsa calidad.
Barradas es un exponente del "neo-folklore", corriente musical venezolana en la que confluyen diferentes estilos nacionales y extranjeros matizados por el interés de empujar a este arte un producto nuevo de una originalidad que promete posicionarse en el mundo.
En esta Tercera Edición que Diageo promueve en Venezuela, Colombia y México se propiciará la formación de pequeños emprendedores en el camino del éxito para el logro de objetivos que tienen que ver con la evolución personal, familiar y comunitaria.
La organización trabajará de la mano con el Dividendo Voluntario para la Comunidad, que viene haciendo desde hace cuarenta y cinco años una labor ininterrumpida en el desarrollo de las comunidades de más bajos recursos.
Huáscar Barradas es músico desde que tiene uso de razón. Sabe lo que es el trabajo duro y cree firmemente que la educación es el camino más certero y rápido a la evolución de una persona y de todo un país.
Ayer visitó La Morán, una zona popular ubicada al oeste de la ciudad de Caracas. Las comunidades que en ella habitan fueron escogidas gracias a los progresos que DVC ha registrado en los proyectos de iniciativa de pequeñas empresas. Allí se ofrecerán talleres en los que unas 300 personas aprenderán de manera práctica cómo optimizar esfuerzos para el logro seguro de la productividad y el éxito. Se le otorgarán microcréditos a 50 de estos emprendedores en el marco del Proyecto Emprendedor.
La escogencia de los beneficiarios del apoyo financiero estará orientada a impulsar aquellas ideas que tengan un impacto positivo en el progreso de toda la comunidad.
Sting y Huáscar
Quienes la noche del 4 de mayo próximo tengan la oportunidad única de presenciar este evento, cuyo escenario serán los espacios de la Universidad Simón Bolívar, no sólo contribuirán con una obra benéfica que desde 2007 aporta significativos recursos a experiencias renovadoras y productivas, sino que también escucharán a dos artistas de primera línea.
El británico Sting amerita de muy poca presentación, su exitosa e innovadora carrera lo precede al igual que su fama mundial desde que formaba parte de la inigualable The Police.
Este artista sigue innovando con su música, explorando la riqueza de los nuevos privilegiados en este arte y triunfando con su filantropía que lo impulsa a participar en iniciativas como la que lo traerá a Caracas.
Huáscar Barradas, por su parte, es un reconocido músico, flautista consagrado en nuestro país y en el mundo. Este mes, por ejemplo, viajará a Londres donde participará en una gala de conciertos, Bogotá y China son sus otros destinos, éste último en agosto. En su haber se cuentan más de 100 conciertos a escala mundial por año, y más de 100.000 copias vendidas en el país.
Durante su participación en la Tercera Edición de Buchanan´s Forever, Huáscar incluirá temas del inolvidable Vytas Brenner, quien en los ochenta fue pionero en mezclar música venezolana y rock.
A su juicio, la amplitud musical en el país no tiene fin y eso lo mostrará en la Gala con uno de sus artistas favoritos.
lunes, 8 de febrero de 2010
Biografía de Reynaldo Armas
Reynaldo ArmasReynaldo Armas nace el 4 de agosto de 1953 en Santa María de Ipire, Estado Guárico, Venezuela; sus padres son Modesta Enguaima y Nicasio Armas y sus 4 hermanos Domingo, Argelia, Felipa y Margoth. Comienza a componer y cantar música a los 12 años en Zaraza su lugar de residencia para el momento, allí, a los 15 años realiza su primera intervención en público en el programa radial Caminitos de Zaraza, transmitido por Radio Zaraza y conducido por el locutor Pompeyo Higuera Sutil.A los 17 años se fue a vivir a Caracas, donde tiene que quemar muchas etapas en centros nocturnos de la capital. Su primer padrino artístico fue el maestro José Romero Bello, quien cedió varias veces el escenario para que el Cardenal Sabanero interpretara sus nuevas canciones de emotiva expresión.
En el año 1975 gana su primer festival de importancia en la ciudad de San Fernando de Apure: El Cantaclaro de Oro dentro del evento conocido a nivel nacional como el Florentino de Oro. Este premio era para contrapunteadores y Reynaldo les ganó a los 18 contrincantes. Ese mismo año graba su primer disco, un sencillo de dos temas, Mi primer amor y Cariño fingido. En 97 graba otro sencillo con los temas Recorriendo a Venezuela y el Revolucionario. Un año después graba su primer larga duración con el apoyo de Rafael Martínez, mejor conocido como El Cazador Novato, la producción se tituló Yo también quiero cantar. Sin embargo, nada de esto causó mayor impacto pues la música venezolana no se oía sino en programas criollos, radiados casi todos en la madrugada o altas horas de la noche. Había, en cambio, muchos centros nocturnos en toda Caracas y en otras ciudades del centro de país donde al parecer la nostalgia del venezolano se ponía de manifiesto a través de la música llanera; por ellos desfilaban los artistas más conocidos del momento, Magdalena Sánchez, El Carrao de Palmarito, Angel Custodio Loyola, Francisco Montoya, Adilia Castillo, entre los llaneros. En otro orden sonaban Héctor Cabrera, Rafael Montaño, Mario Suárez y algunos más.
Poco después comienza a oírse en la radio el tema No me dejan que te quiera, cantado por Reyna Romero, mejor conocida en el ambiente como Reyna Lucero, con quien meses antes había compartido Reynaldo Armas muchas tarimas. También se oyó mucho a Cristóbal Jiménez con Vestida de garza blanca, del compositor Pedro Felipe Sosa Caro. En el año 1978, cuando Reynaldo Armas graba su disco que sonó la mayoría, empieza la revolución de la nueva música criolla. Mas llena de romanticismo, se le imprime además una apariencia distinta con la idea de vendérsela a otros públicos y así poder romper las barreras que la tenían alejada del gusto popular. Surge entonces un sinfín de intérpretes de todas las regiones del país, músicos y compositores, todos con la idea de aportar su granito de arena y hacer grande el movimiento que acababa de iniciarse. A ese indetenible movimiento Reynaldo Armas le ha aportado hasta hoy mas de 350 canciones, 25 discos de larga duración y ha obtenido todos los galardones que se haya otorgado en el país, comenzando por Guaicaipuro de Oro, 11 Meridianos de Oro y 1 de Platino, 8 Rondas de Oro y 1 de Platino pasando por varios Maras, Águilas, Apolos, Caribes, Tiunas y hasta Cucaracheros, al igual que muchas condecoraciones y reconocimientos de institutos públicos y privados. Se trata, pues, de una carrera bastante productiva, en la que sobresalen por los demás, los seis millones de discos vendidos solo en Venezuela.
Reynaldo Armas vive en Caracas desde el año 1971. viaja constantemente a Colombia, donde goza de gran popularidad. Desde hace años ha incursionado con éxito en las ciudades de Miami, Orlando y New York. En las que se han realizado presentaciones y se han creado muchas expectativas en torno a la música venezolana. Es muy probable que su nuevo disco titulado Reynalderias que comprenden una docena de canciones de mucho contenido social entre lo romántico y auténtico de la vida real sea lanzado en grande en los Estados Unidos para dirigirlo al mercado de habla hispana en ese país. Así como al público de Centro y Sudamérica.
martes, 2 de febrero de 2010
Falleció músico venezolano Leopoldo Billings
Si en 2009 la música popular venezolana despidió a la célebre madama de El Callao, Cleotilde Billings, ahora los músicos le dicen adiós a su esposo, el maestro Leopoldo Billings, profesor de armonía, fuga, contrapunto y composición en la Escuela Superior de Música "José Ángel Lamas", acaecida en Caracas el pasado 24 de enero de 2010.Los Billings cultivaron la tradición del calipso, festividad reinante en los famosos carnavales de esa hermosa tierra guayanesa; y ambos dirigían la agrupación musical "Yururari". Leopoldo Billings era oriundo de El Callao (estado Bolívar), el 23 de julio de 1932. Fue docente, compositor y director de orquesta, entró a la Escuela de Música José Ángel Lamas en 1947, precedido de las enseñanzas musicales de su padre el organista Norman Billings.
Estudio órgano con Evencio Castellanos, trombón con Pascual Salvato y composición con Vicente Emilio Sojo entre otros. Se graduó como Maestro Compositor en 1959.
Estudió dirección orquestal en Republica Dominicana con Víctor Tevah y Enrique García Asensio (1971). En Santiago de Compostela, España, continúa sus estudios de composición con Bernardo Bernaola y asiste a los cursos de musicología de Miguel Querol (1977-1978). Billings, además, integró el Orfeón Lamas, se desempeñó como teniente-organista de la Catedral de Caracas, Maestro de Capilla de la iglesia parroquial de San José, percusionista y miembro de la Orquesta Sinfónica de Venezuela en la que, además, integró también su junta directiva.
Ha dirigido en algunos países de América Latina. Desde 1960 dedicó gran parte de su labor a la docencia musical en Caracas, enseñando en las escuelas de música "Juan Manuel Olivares" y en la Lamas.
Hoy, su legado musical queda reflejado en sus diversas composiciones y el gran número de alumnos. Adicionalmente, con la agrupación "Yururari" dejó un CD editado por la Fundación Bigott, que es referencia para la manifestación del calipso.
lunes, 25 de enero de 2010
Sinfónica Simón Bolívar y Gustavo Dudamel están 'Al encuentro con Venezuela'
La Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar y su director, Gustavo Dudamel, ofrecreán conciertos por varias ciudades del occidente del país, con un repertorio que incluye obras de Tchaikovsky, Wagner, Dvorák y Castellanos.La apertura será con un gran concierto en la Plaza de Toros "La Monumental" de la ciudad de Valencia, estado Carabobo, este lunes 25 de enero a las 7:00 pm, para continuar con la gira que lleva por nombre "Al Encuentro con Venezuela"
El recorrido en esta segunda etapa de la gira se llevará a cabo por otras dos ciudades del occidente del país, a manera de reencuentro de los músicos con el público del interior. Luego de haber recorrido el mundo y parte del país en actuaciones en la ciudad capital, Barquisimeto y Mérida el pasado mes de diciembre.
La orquesta cúspide del movimiento musical que lidera el maestro José Antonio Abreu actuará también en la ciudad Maracaibo el viernes 29 de enero. En cada una de estas jornadas, la Simón Bolívar compartirá junto a las orquestas juveniles locales, a manera de intercambio y acercamiento entre los músicos.
El repertorio que ofrecerán está conformado por obras como la Obertura Rienzi de Richard Wagner; el poema sinfónico Francesca Da Rimini, la Sinfonía Nº 4 en Fa Menor y la Obertura 1812, todas de Piotr Ilyitch Tchaikovsky; Santa Cruz de Pacairigua de Evencio Castellanos, Las Danzas Eslavas de Antonín Dvorak, entre otras.
Ofrenda a la Divina Pastora
Gustavo Dudamel realizará una ofrenda musical en el marco de la Procesión 154 de la Divina Pastora, este miércoles 26 de enero, a las 5:00 de la tarde, en la Plaza La Justicia de Barquisimeto. El director larense guiará a la Sinfónica del Estado Lara; la Sinfónica Juvenil e Infantil de Lara y al Sistema de Coros Juveniles e Infantiles del Estado Lara, en un repertorio preparado especialmente para la ocasión.
El recorrido en esta segunda etapa de la gira se llevará a cabo por otras dos ciudades del occidente del país, a manera de reencuentro de los músicos con el público del interior. Luego de haber recorrido el mundo y parte del país en actuaciones en la ciudad capital, Barquisimeto y Mérida el pasado mes de diciembre.
La orquesta cúspide del movimiento musical que lidera el maestro José Antonio Abreu actuará también en la ciudad Maracaibo el viernes 29 de enero. En cada una de estas jornadas, la Simón Bolívar compartirá junto a las orquestas juveniles locales, a manera de intercambio y acercamiento entre los músicos.
El repertorio que ofrecerán está conformado por obras como la Obertura Rienzi de Richard Wagner; el poema sinfónico Francesca Da Rimini, la Sinfonía Nº 4 en Fa Menor y la Obertura 1812, todas de Piotr Ilyitch Tchaikovsky; Santa Cruz de Pacairigua de Evencio Castellanos, Las Danzas Eslavas de Antonín Dvorak, entre otras.
Ofrenda a la Divina Pastora
Gustavo Dudamel realizará una ofrenda musical en el marco de la Procesión 154 de la Divina Pastora, este miércoles 26 de enero, a las 5:00 de la tarde, en la Plaza La Justicia de Barquisimeto. El director larense guiará a la Sinfónica del Estado Lara; la Sinfónica Juvenil e Infantil de Lara y al Sistema de Coros Juveniles e Infantiles del Estado Lara, en un repertorio preparado especialmente para la ocasión.
sábado, 16 de enero de 2010
Ilan Chester recibe las llaves de Indiana Estados Unidos
El 12 de diciembre se proclamó como el día del destacado músico venezolano
La Asociación de Venezolanos en Indianápolis, Estados Unidos, organizó un gran concierto de fin de año con Ilan Chester en Indianápolis Marion County Public Library, donde público de diversos países de Latinoamérica, junto a muchos venezolanos residenciados en esa ciudad, y seguidores de la música del destacado cantante, compositor y pianista, abarrotaron el recinto para corear sus canciones.Mas lo verdaderamente especial de esa velada fue la presencia del alcalde de Indianápolis, Major Paul Ricket, quien al culminar el show, subió al escenario para entregar al artista venezolano la llave de la ciudad, decretando de manera oficial el día 12 de diciembre como "Día Ilan Chester" en el estado de Indiana.
La emoción del cantante fue evidente así como la del público, que dedicó largos minutos para aplaudir al artista.
Autor de más de 100 obras, con 30 producciones en su haber, Chester apunta que este reconocimiento es el feliz corolario de una temporada de éxitos que incluye la edición, en 2009, de la colección Tesoros de la música venezolana, fruto de una minuciosa investigación de los ritmos y melodías del país, en seis discos.
martes, 3 de noviembre de 2009
La sazón venezolana le dará gusto a los Grammy Latinos
La 10º edición de los galardones contará con la presencia de José Antonio Abreu, que recibirá un premio honorífico; los postulados Franco De Vita, Oscar D'León, Claudio Corsi y Los Amigos Invisibles; y los invitados Maite Delgado, Bárbara Palacios y Yordano.
Algunos ya están acomodados en las habitaciones de los hoteles de Las Vegas en el que se alojarán durante toda la semana. Otros tienen los boletos en sus manos y las maletas listas para tomar los vuelos que los llevarán a la ciudad que pertenece al estado de Nevada.
El talento nacional postulado a la décima edición de los Grammy Latinos que incluye a Los Amigos Invisibles, Oscar D'León, Franco De Vita y Claudio Corsi no faltará a la ceremonia anual que rinde tributo a la música latina y que este año tiene un especial acento venezolano.
"Me gustaría que todos los compatriotas que competimos nos llevemos los premios. Es maravilloso que el radar mundial pose su vista en el país", dice un alegre Julio Briceño, vocalista de Los Amigos Invisibles, que se regocija al hablar sobre la amplia representación que tiene Venezuela en la nueva edición de los galardones, que se celebrará el jueves en el Mandalay Bay Event Center de Las Vegas.
Los autores de "Mentira" compiten en el renglón de Mejor Álbum de Música Alternativa con el disco Comercial. Para el sonero Oscar D'León la experiencia no es nueva: es la décimotercera vez que lo nominan a un Grammy.
Por ello, quizás, expresa que no se siente nervioso, sino "normalísimo". Han sido muchas las ocasiones en que se ha ilusionado, por eso ahora prefiere aquietar las emociones del corazón.
Tranquilamente... Tranquilo es el nombre del disco por el que recibió este año una postulación en la categoría de Mejor Álbum de Salsa.
El intérprete de "Llorarás" también participará en la ceremonia que se celebrará en honor al fundador del Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, José Antonio Abreu, y al compositor Roberto Cantoral (autor de temas como "El reloj" y "La barca"), por haber sido distinguidos ambos con el Premio del Consejo Directivo. "Participaré en el show con Gilberto Santa Rosa.
Vamos a cantar tres canciones cada uno y al final nos uniremos para interpretar `Qué manera de quererte'. Abreu es un orgullo para los venezolanos.
Estoy contento de ver que Venezuela ocupa un sitial de honor en el mundo", señala D'León.
El cantautor Claudio Corsi, residenciado en Miami desde hace 10 años, espera compartir algunas palabras con sus otros compañeros venezolanos postulados.
El músico no ha podido dormir bien desde que anunciaron las candidaturas de los Grammy Latinos, en las que está nominado como Mejor Nuevo Artista por su disco Aire y mar. "Siento muchas cosquillitas en la barriga. Si me gano el premio, sería el home run del siglo", relata el artista, que cantará en Caracas el 4 de diciembre en un show en el Hard Rock Café del Sambil.
El cantante Yordano también viajará a Las Vegas, pero como músico invitado por la Academia Latina de la Grabación. Estará presente en el evento en honor a Abreu. "Soy miembro de la academia desde hace un año. Es una experiencia nueva para mí", dice.
El intérprete de "Manantial de corazón" compartirá la celebración con la animadora Maite Delgado, quien conducirá la gala en honor a Juan Gabriel, que recibirá el premio como Persona del Año, y con Bárbara Palacios, que será la presentadora de una ceremonia que entrega los Grammy técnicos, que se emite antes de la gran gala.
Algunos ya están acomodados en las habitaciones de los hoteles de Las Vegas en el que se alojarán durante toda la semana. Otros tienen los boletos en sus manos y las maletas listas para tomar los vuelos que los llevarán a la ciudad que pertenece al estado de Nevada.
El talento nacional postulado a la décima edición de los Grammy Latinos que incluye a Los Amigos Invisibles, Oscar D'León, Franco De Vita y Claudio Corsi no faltará a la ceremonia anual que rinde tributo a la música latina y que este año tiene un especial acento venezolano.
"Me gustaría que todos los compatriotas que competimos nos llevemos los premios. Es maravilloso que el radar mundial pose su vista en el país", dice un alegre Julio Briceño, vocalista de Los Amigos Invisibles, que se regocija al hablar sobre la amplia representación que tiene Venezuela en la nueva edición de los galardones, que se celebrará el jueves en el Mandalay Bay Event Center de Las Vegas.
Los autores de "Mentira" compiten en el renglón de Mejor Álbum de Música Alternativa con el disco Comercial. Para el sonero Oscar D'León la experiencia no es nueva: es la décimotercera vez que lo nominan a un Grammy.
Por ello, quizás, expresa que no se siente nervioso, sino "normalísimo". Han sido muchas las ocasiones en que se ha ilusionado, por eso ahora prefiere aquietar las emociones del corazón.
Tranquilamente... Tranquilo es el nombre del disco por el que recibió este año una postulación en la categoría de Mejor Álbum de Salsa.
El intérprete de "Llorarás" también participará en la ceremonia que se celebrará en honor al fundador del Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, José Antonio Abreu, y al compositor Roberto Cantoral (autor de temas como "El reloj" y "La barca"), por haber sido distinguidos ambos con el Premio del Consejo Directivo. "Participaré en el show con Gilberto Santa Rosa.
Vamos a cantar tres canciones cada uno y al final nos uniremos para interpretar `Qué manera de quererte'. Abreu es un orgullo para los venezolanos.
Estoy contento de ver que Venezuela ocupa un sitial de honor en el mundo", señala D'León.
El cantautor Claudio Corsi, residenciado en Miami desde hace 10 años, espera compartir algunas palabras con sus otros compañeros venezolanos postulados.
El músico no ha podido dormir bien desde que anunciaron las candidaturas de los Grammy Latinos, en las que está nominado como Mejor Nuevo Artista por su disco Aire y mar. "Siento muchas cosquillitas en la barriga. Si me gano el premio, sería el home run del siglo", relata el artista, que cantará en Caracas el 4 de diciembre en un show en el Hard Rock Café del Sambil.
El cantante Yordano también viajará a Las Vegas, pero como músico invitado por la Academia Latina de la Grabación. Estará presente en el evento en honor a Abreu. "Soy miembro de la academia desde hace un año. Es una experiencia nueva para mí", dice.
El intérprete de "Manantial de corazón" compartirá la celebración con la animadora Maite Delgado, quien conducirá la gala en honor a Juan Gabriel, que recibirá el premio como Persona del Año, y con Bárbara Palacios, que será la presentadora de una ceremonia que entrega los Grammy técnicos, que se emite antes de la gran gala.
viernes, 23 de octubre de 2009
La música venezolana se reafirma en el arpa criolla
Venezuela redescubre el arpa criolla, gracias al libro de Francisco Guerrero, El arpa en Venezuela. El autor tañe por igual el arpa criolla y la de pedales o clásica la que vemos en las orquestas sinfónicas, sin embargo, en su saber trata de unificar ambos instrumentos, y asegura que esa arpa que se toca en los llanos es la misma arpa española del siglo XVI, que en España tratan de rescatar al darla por perdida, y resulta que los llaneros la han mantenido intacta.
"El corrido, el romance, desapareció en España; pero está aquí. Pon que se haga en Colombia o en México, pero no con el arpa y los paraguayos tocan música de autor.
Tengo la idea de que Venezuela es una especie de repositorio de técnicas arpísticas, la de tres dedos, que se utilizaba en la España medieval.
De pronto se viene un pelotón de musicólogos españoles: ¡déjense de buscar allá, que no van a encontrar nada! Cuando quieras ver cómo funcionaba la música española del siglo XVI vente para acá para el llano o al Tuy"
. Guerrero comenta que la idea del libro surgió por sugerencia del musicólogo venezolano José Peñín, quien en sus clases lo instó a que escribiera sobre el arpa: "este libro comenzó por la parte de atrás, el Seis por derecho, que fue mi primer trabajo.
Lo transcribí a pentagrama, hice el arreglo y lo grabé. Luego el libro fue creciendo, y en estos diez años amplié mucho la parte histórica".
Relata Guerrero cómo el arpa se asentó en Venezuela, México, Paraguay y Perú, cómo desapareció en Argentina, Filipinas y los demás países, así como la influencia de Juan Vicente Torrealba en las dimensiones actuales del arpa criolla.
"Torrealba comenzó a tocar arpa tardíamente, pero no le gustaban las arpas que se tocaban en el llano en su tiempo. Junto con un constructor de apellido Cabrera decidieron estandarizar el tamaño del arpa: Torrealba es un tipo fornido, y adaptó el arpa llanera a su contextura personal, y le agrega unas cuerdas. Las arpitas tenían unas 30 cuerdas y él le agrega seis más.
Con la música de Torrealba, esa arpa se volvió un éxito y todo el mundo quería tener una torrealbera". Guerrero apunta que actualmente Carlos "Metralleta" Orozco utiliza un arpa pequeña, rememorando las primeras arpas criollas.
Sobre por qué no se investigó este tema arpístico antes, el estudioso afirma que "se trata de un instrumento demasiado popular, como el cuatro", y todos los historiadores de la música, incluyendo José Antonio alcaño, lo ignoraron; pese a que en Venezuela hay un aporte al arpa, con sus dos tipos: la llanera y la tuyera o central.
"El corrido, el romance, desapareció en España; pero está aquí. Pon que se haga en Colombia o en México, pero no con el arpa y los paraguayos tocan música de autor.
Tengo la idea de que Venezuela es una especie de repositorio de técnicas arpísticas, la de tres dedos, que se utilizaba en la España medieval.
De pronto se viene un pelotón de musicólogos españoles: ¡déjense de buscar allá, que no van a encontrar nada! Cuando quieras ver cómo funcionaba la música española del siglo XVI vente para acá para el llano o al Tuy"
. Guerrero comenta que la idea del libro surgió por sugerencia del musicólogo venezolano José Peñín, quien en sus clases lo instó a que escribiera sobre el arpa: "este libro comenzó por la parte de atrás, el Seis por derecho, que fue mi primer trabajo.
Lo transcribí a pentagrama, hice el arreglo y lo grabé. Luego el libro fue creciendo, y en estos diez años amplié mucho la parte histórica".
Relata Guerrero cómo el arpa se asentó en Venezuela, México, Paraguay y Perú, cómo desapareció en Argentina, Filipinas y los demás países, así como la influencia de Juan Vicente Torrealba en las dimensiones actuales del arpa criolla.
"Torrealba comenzó a tocar arpa tardíamente, pero no le gustaban las arpas que se tocaban en el llano en su tiempo. Junto con un constructor de apellido Cabrera decidieron estandarizar el tamaño del arpa: Torrealba es un tipo fornido, y adaptó el arpa llanera a su contextura personal, y le agrega unas cuerdas. Las arpitas tenían unas 30 cuerdas y él le agrega seis más.
Con la música de Torrealba, esa arpa se volvió un éxito y todo el mundo quería tener una torrealbera". Guerrero apunta que actualmente Carlos "Metralleta" Orozco utiliza un arpa pequeña, rememorando las primeras arpas criollas.
Sobre por qué no se investigó este tema arpístico antes, el estudioso afirma que "se trata de un instrumento demasiado popular, como el cuatro", y todos los historiadores de la música, incluyendo José Antonio alcaño, lo ignoraron; pese a que en Venezuela hay un aporte al arpa, con sus dos tipos: la llanera y la tuyera o central.
lunes, 19 de octubre de 2009
Dos mil gaiteros de toda España participarán en el campeonato nacional de gaita en Trabazos
Trabazos, capital de la gaita. El municipio alistano ha logrado un lugar de honor en el reconocimiento al tradicional instrumento con la celebración de la primera fase del vigésimo campeonato de Liga Galega que reunirá a casi dos mil gaiteros de diversos puntos del país los días 19 y 20 de diciembre.
La escuela de Aulas de Música de Trabazos ha sido el gran reclamo para bregar por la sede de este encuentro, que mide al pueblo zamorano con municipios de la categoría de Ponferrada o Valladolid, sedes respectivas de Castilla y León en anteriores ediciones.
Por ello, el alcalde de Trabazos, Javier Faúndez, no dudó en calificar esta liga como «un evento de primer orden nacional equivalente a un campeonato de España de bandas de gaitas». Entre sesenta y setenta formaciones llegadas de Galicia, Asturias, Barcelona, Valencia, Murcia, Valladolid, Portugal? se darán cita en el encuentro de Trabazos, cuya representación zamorana llegará de la mano de la banda de Aulas de Música de Aliste y Tras os Montes y otra de la Alta Sanabria, con gaiteros de Lubián y Hermisende. Fue hace dos años cuando el Ayuntamiento de Trabazos solicitó la organización del encuentro.
«Teniendo en cuenta la trayectoria de Aulas de Música Tradicional, no nos podíamos quedar al margen», expresó el alcalde. No en vano, la agrupación fue invitada a la final del campeonato del año pasado, que se celebra en la localidad gallega de Cabeza de Manzaneda.
«Somos un Ayuntamiento pequeño se se va a codear con los grandes», manifestó con indisimulado orgullo el alcalde alistano, sabedor de que en otras ocasiones han sido Viana do Castelo o Aveiro (en Portugal) organizadores del encuentro nacional de gaiteros. Javier Faúndez destacó la «repercusión mediática» del evento, aunque aseguró que «estamos preparando todo para estar a la altura». Así, en Trabazos se instalarán tres carpas de 400 metros cuadrados que garantizarán el desarrollo del encuentro musical aún con la climatología adversa. El alojamiento de participantes y acompañantes se repartirá entre el propio municipio anfitrión, Alcañices o Braganza.
Los actos comenzarán el día 19 con la recepción de las bandas, que realizarán los primeros ensayos de cara al campeonato del domingo, día 20. Desde la 9 de la mañana hasta las tres de la tarde la música sonará en ese rincón de Aliste, donde las bandas intentarán dar el mejor tono para conseguir la mejor puntuación.
La liga concluye con un gran desfile de bandas. Paralelamente al evento musical, en las inmediaciones se organizará una degustación y exposición de productos de la típicos de la comarca. «Es un acto lleno de calidad y colorido», concluyó Faúndez durante la presentación del mismo, ayer en la Diputación Provincial con la presencia del diputado de Cultura, José Luis Bermúdez; el director del Consorcio de Fomento Musical, Pablo Madrid; y el director de Aulas de Música de Aliste y Tras os Montes, Miguel Bermúdez.
Este último destacó el encuentro nacional de gaitas como una «oportunidad para la difusión de la cultura y para dar ejemplo a nuestros jóvenes, que vean la labor que se está haciendo».
Fundada en el 1991, Aulas de Música ha sido uno de los motores para la difusión de la cultura tradicional. Por sus clases han pasado cientos de alumnos. En este curso hay unos 140 matriculados (treinta más que el año pasado) en las diversas especialidades que se imparten; además de gaita, guitarra, laúd, bandurria, tamboril, o baile.
La escuela de Aulas de Música de Trabazos ha sido el gran reclamo para bregar por la sede de este encuentro, que mide al pueblo zamorano con municipios de la categoría de Ponferrada o Valladolid, sedes respectivas de Castilla y León en anteriores ediciones.
Por ello, el alcalde de Trabazos, Javier Faúndez, no dudó en calificar esta liga como «un evento de primer orden nacional equivalente a un campeonato de España de bandas de gaitas». Entre sesenta y setenta formaciones llegadas de Galicia, Asturias, Barcelona, Valencia, Murcia, Valladolid, Portugal? se darán cita en el encuentro de Trabazos, cuya representación zamorana llegará de la mano de la banda de Aulas de Música de Aliste y Tras os Montes y otra de la Alta Sanabria, con gaiteros de Lubián y Hermisende. Fue hace dos años cuando el Ayuntamiento de Trabazos solicitó la organización del encuentro.
«Teniendo en cuenta la trayectoria de Aulas de Música Tradicional, no nos podíamos quedar al margen», expresó el alcalde. No en vano, la agrupación fue invitada a la final del campeonato del año pasado, que se celebra en la localidad gallega de Cabeza de Manzaneda.
«Somos un Ayuntamiento pequeño se se va a codear con los grandes», manifestó con indisimulado orgullo el alcalde alistano, sabedor de que en otras ocasiones han sido Viana do Castelo o Aveiro (en Portugal) organizadores del encuentro nacional de gaiteros. Javier Faúndez destacó la «repercusión mediática» del evento, aunque aseguró que «estamos preparando todo para estar a la altura». Así, en Trabazos se instalarán tres carpas de 400 metros cuadrados que garantizarán el desarrollo del encuentro musical aún con la climatología adversa. El alojamiento de participantes y acompañantes se repartirá entre el propio municipio anfitrión, Alcañices o Braganza.
Los actos comenzarán el día 19 con la recepción de las bandas, que realizarán los primeros ensayos de cara al campeonato del domingo, día 20. Desde la 9 de la mañana hasta las tres de la tarde la música sonará en ese rincón de Aliste, donde las bandas intentarán dar el mejor tono para conseguir la mejor puntuación.
La liga concluye con un gran desfile de bandas. Paralelamente al evento musical, en las inmediaciones se organizará una degustación y exposición de productos de la típicos de la comarca. «Es un acto lleno de calidad y colorido», concluyó Faúndez durante la presentación del mismo, ayer en la Diputación Provincial con la presencia del diputado de Cultura, José Luis Bermúdez; el director del Consorcio de Fomento Musical, Pablo Madrid; y el director de Aulas de Música de Aliste y Tras os Montes, Miguel Bermúdez.
Este último destacó el encuentro nacional de gaitas como una «oportunidad para la difusión de la cultura y para dar ejemplo a nuestros jóvenes, que vean la labor que se está haciendo».
Fundada en el 1991, Aulas de Música ha sido uno de los motores para la difusión de la cultura tradicional. Por sus clases han pasado cientos de alumnos. En este curso hay unos 140 matriculados (treinta más que el año pasado) en las diversas especialidades que se imparten; además de gaita, guitarra, laúd, bandurria, tamboril, o baile.
jueves, 8 de octubre de 2009
Historia y distribución geografica de La Maraca
El hecho de la existencia y uso muy extendido en Africa de este tipo de sonajero y su tradicional empleo por el brujo afrocubano y, en general por el negro antillano, hizo pensar a más de un estudioso en el origen africano del instrumento en cuestión; pero consta que los indios "aruacos", que hoy aparecen distribuidos por las riberas del Magdalena, Orinoco y Amazonas y que, en los tiempos precolombinos, poblaron las Antillas, usaron la "maraca", vocablo de origen "aruaco".
En este sentido, en el siglo XVIII, el Padre José Gumilla, en su "Historia natural del río Orinoco" (Barcelona, 1791), escribía que los aruacos, indios inteligentes, inventaron la "maraka".Según algunos investigadores, como Roth, la maraca es para el indio un instrumento invocador de los espíritus. Y lo usaron y usan todavía para sus conjuros los hechiceros antillanos.
El origen de la maraca iberoamericana, pues, es muy antiguo, y resulta tan autóctono como cualquier otro sonajero similar de cualquier parte del mundo, ya que la maraca se da en los cinco continentes; es un instrumento universal.En América la maraca aparece en casi todos los países centro y sudamericanos, incluso en Norteamérica (U. S. A. y Canadá).
En Argentina, según Coluccio, la maraca perdura en el norte y noroeste. Para Carlos Vega, se encuentra entre los aborígenes de las gobernaciones de, Formosa y Chaco y del noroeste de la provincia de Salta, poseyéndola los indios "toba", los "pilagá", los "mataco", los "choroti", los "ashlushlay".Asimismo considera Carlos Vega que la maraca no se encuentra entre los araucanos (indios chilenos) de la zona argentina que aún sobreviven en la gobernación de Neuquén, a pesar de haberla usado en la antigüedad.Finalmente, este eminente etnomusicólogo afirma que la maraca arqueológicamente se conoce en la región de los indios "diaguitas".
En Colombia -dice Slonimsky- es muy utilizada y recibe muchos nombres diferentes.Hace más de un siglo, en 1880, el doctor Crevaux observó en una danza de los indios "mitoua", de Colombia, el empleo de la maraca: "uno de los indios sacude a compás una calabaza que contiene granos duros y atravesada por una caña. Esta calabaza está adornada con dibujos parecidos a los de la alfarería".Fernando Ortiz, el más grande folklorista que ha tenido Cuba, en su "Glosario de Afronegrísmos" (La Habana, 1924), dice que a la maraca en Colombia se la llama "maraco" y también "alfandoque", voz esta última -afirma-, árabe de origen.
En este sentido, del origen árabe del vocablo "maraca", Wiener pretende que es corrupción del árabe "mitraqah", que se usa en los países africanos en su doble significado de martillo y campana o cascabel; cuestión que resulta exagerada en opinión de Otto Mayer, ya que para él "maraca" es voz onomatopéyica, propia de las lenguas indígenas americanas, y sin olvidar -añade- que del árabe "mitraqah" deriva realmente el vocablo castellano "matraca", un instrumento diferente a la maraca.
Para el historiador mejicano F. J. Santamaría la maraca es de origen "guaraní".
En Norteamérica se encontró la maraca principalmente en California (indios "maidu").En el Brasil, en el siglo XVI, los "tupinamba" eran constructores de maracas, como testimonia Jean de Léry.
En Africa, al norte de1 lago Tanganika, el P. Arnoux descubre dos clases de maracas, llamadas "ikinoguli", unas calabazas llenas de cáscaras de frutas o de piedras. La menos usada tiene, como muchas maracas, una rama de arbusto que la atraviesa de parte a parte, quedando sujeta a la calabaza mediante clavijas. En la segunda clase, la rama pasa al interior de la cola de la calabaza, obstruyéndola y prolongándola a modo de mango.
En varias regiones del Africa occidental -Costa de Marfil, Dahomey, Sudán- se da un tipo de maraca consistente en una redecilla a la que se sujetan huesos de frutas, conchas e incluso vértebras de serpiente, envolviendo una calabaza, constituyendo más bien un instrumento idiófono percutido (1), no sacudido; los elementos sujetos a la redecilla percuten sobre el contorno del receptáculo, a semejanza de las sonajas en suspensión sobre el cuerpo del bailarín.
En algunas tribus del Africa oriental la maraca es tocada por mujeres, que se reúnen a veces por centenares, en un especie de rito vital.
André Schaeffner encontró la maraca entre los "dogon" de la meseta de, "Bandiagara" (Sudán francés).
La interdependencia de la música afro-americana creo que no ha sido suficientemente estudiada. Es imprecisa la cuestión de las reciprocas corrientes de influencia entre los dos continentes -Africa y América- al respecto.
Por ejemplo, las influencias mutuas en el ritmo cubano quizá más conocido: la rumba, en el que la maraca tiene un papel fundamental.
Señala John Storm Roberts ("La música negra afro-americana") que la rumba, muy popular en Norteamérica y Europa en los años 20 y 30, alcanzó en los 50 y 60 una importancia decisiva para el desarrollo de uno de los nuevos estilos africanos: la música congoleña.
Por otro lado, la rumba, iniciada como danza secular, es -según Storm- fuertemente neoafricana; música de percusión, que muestra el rasgo común, africano y neoafricano de un tambor principal, como es el "cajoncito de velas". Además -continúa diciendo Storm- "las cucharas tienen un papel como el de los instrumentos metálicos de percusión de algunos conjuntos del Africa Occidental, y los "claves" (dos palillos tocados juntos), desempeñan un papel muy parecido al de la campanilla "gankoqui" de la música ewe, su equivalente en mucha música occidental africana; y otro africanismo instrumental, tomado de los estilos bantúes cubanos, es el uso de las sonajas sujetas a las muñecas del "quinteador" (el que toca el tambor "cajoncito de velas")
" En Asia, aparece un tipo persa de maraca de bronce, como la que se conserva en el "Horniman Museum", de Londres.En Europa, en la Silesia se da también otro tipo en barro (2) y, en bronce, en Irlanda (3).
En Oceanía, en las islas Haway, aparecen bellos ejemplares de maraca adornados con profusión de plumas (4).
La maraca, pues, instrumento universal, ha pasado también a formar parte de las orquestas de música ligera y de los instrumentos de las orquestas sinfónicas. Efectivamente, en la música culta, uno de los compositores que primero la emplearon fue el indio peruano Teodoro Valcárcel, discípulo de Felipe Pedrell en España, en su obra "Suray-Surita" (Suite de danzas), que publicó en París en el año 1939, y le estrenó parcialmente la Orquesta Sinfónica Nacional de Perú, bajo la dirección del austríaco Theodor Buchwald. Asimismo, el gran compositor brasileño Heitor Villa-Lobos en buen número de sus obras; el mejicano Silvestre Revueltas, y, podemos afirmar, la casi totalidad de los compositores iberoamericanos, la incluyen en algunas de sus obras.
En este sentido, en el siglo XVIII, el Padre José Gumilla, en su "Historia natural del río Orinoco" (Barcelona, 1791), escribía que los aruacos, indios inteligentes, inventaron la "maraka".Según algunos investigadores, como Roth, la maraca es para el indio un instrumento invocador de los espíritus. Y lo usaron y usan todavía para sus conjuros los hechiceros antillanos.
El origen de la maraca iberoamericana, pues, es muy antiguo, y resulta tan autóctono como cualquier otro sonajero similar de cualquier parte del mundo, ya que la maraca se da en los cinco continentes; es un instrumento universal.En América la maraca aparece en casi todos los países centro y sudamericanos, incluso en Norteamérica (U. S. A. y Canadá).
En Argentina, según Coluccio, la maraca perdura en el norte y noroeste. Para Carlos Vega, se encuentra entre los aborígenes de las gobernaciones de, Formosa y Chaco y del noroeste de la provincia de Salta, poseyéndola los indios "toba", los "pilagá", los "mataco", los "choroti", los "ashlushlay".Asimismo considera Carlos Vega que la maraca no se encuentra entre los araucanos (indios chilenos) de la zona argentina que aún sobreviven en la gobernación de Neuquén, a pesar de haberla usado en la antigüedad.Finalmente, este eminente etnomusicólogo afirma que la maraca arqueológicamente se conoce en la región de los indios "diaguitas".
En Colombia -dice Slonimsky- es muy utilizada y recibe muchos nombres diferentes.Hace más de un siglo, en 1880, el doctor Crevaux observó en una danza de los indios "mitoua", de Colombia, el empleo de la maraca: "uno de los indios sacude a compás una calabaza que contiene granos duros y atravesada por una caña. Esta calabaza está adornada con dibujos parecidos a los de la alfarería".Fernando Ortiz, el más grande folklorista que ha tenido Cuba, en su "Glosario de Afronegrísmos" (La Habana, 1924), dice que a la maraca en Colombia se la llama "maraco" y también "alfandoque", voz esta última -afirma-, árabe de origen.
En este sentido, del origen árabe del vocablo "maraca", Wiener pretende que es corrupción del árabe "mitraqah", que se usa en los países africanos en su doble significado de martillo y campana o cascabel; cuestión que resulta exagerada en opinión de Otto Mayer, ya que para él "maraca" es voz onomatopéyica, propia de las lenguas indígenas americanas, y sin olvidar -añade- que del árabe "mitraqah" deriva realmente el vocablo castellano "matraca", un instrumento diferente a la maraca.
Para el historiador mejicano F. J. Santamaría la maraca es de origen "guaraní".
En Norteamérica se encontró la maraca principalmente en California (indios "maidu").En el Brasil, en el siglo XVI, los "tupinamba" eran constructores de maracas, como testimonia Jean de Léry.
En Africa, al norte de1 lago Tanganika, el P. Arnoux descubre dos clases de maracas, llamadas "ikinoguli", unas calabazas llenas de cáscaras de frutas o de piedras. La menos usada tiene, como muchas maracas, una rama de arbusto que la atraviesa de parte a parte, quedando sujeta a la calabaza mediante clavijas. En la segunda clase, la rama pasa al interior de la cola de la calabaza, obstruyéndola y prolongándola a modo de mango.
En varias regiones del Africa occidental -Costa de Marfil, Dahomey, Sudán- se da un tipo de maraca consistente en una redecilla a la que se sujetan huesos de frutas, conchas e incluso vértebras de serpiente, envolviendo una calabaza, constituyendo más bien un instrumento idiófono percutido (1), no sacudido; los elementos sujetos a la redecilla percuten sobre el contorno del receptáculo, a semejanza de las sonajas en suspensión sobre el cuerpo del bailarín.
En algunas tribus del Africa oriental la maraca es tocada por mujeres, que se reúnen a veces por centenares, en un especie de rito vital.
André Schaeffner encontró la maraca entre los "dogon" de la meseta de, "Bandiagara" (Sudán francés).
La interdependencia de la música afro-americana creo que no ha sido suficientemente estudiada. Es imprecisa la cuestión de las reciprocas corrientes de influencia entre los dos continentes -Africa y América- al respecto.
Por ejemplo, las influencias mutuas en el ritmo cubano quizá más conocido: la rumba, en el que la maraca tiene un papel fundamental.
Señala John Storm Roberts ("La música negra afro-americana") que la rumba, muy popular en Norteamérica y Europa en los años 20 y 30, alcanzó en los 50 y 60 una importancia decisiva para el desarrollo de uno de los nuevos estilos africanos: la música congoleña.
Por otro lado, la rumba, iniciada como danza secular, es -según Storm- fuertemente neoafricana; música de percusión, que muestra el rasgo común, africano y neoafricano de un tambor principal, como es el "cajoncito de velas". Además -continúa diciendo Storm- "las cucharas tienen un papel como el de los instrumentos metálicos de percusión de algunos conjuntos del Africa Occidental, y los "claves" (dos palillos tocados juntos), desempeñan un papel muy parecido al de la campanilla "gankoqui" de la música ewe, su equivalente en mucha música occidental africana; y otro africanismo instrumental, tomado de los estilos bantúes cubanos, es el uso de las sonajas sujetas a las muñecas del "quinteador" (el que toca el tambor "cajoncito de velas")
" En Asia, aparece un tipo persa de maraca de bronce, como la que se conserva en el "Horniman Museum", de Londres.En Europa, en la Silesia se da también otro tipo en barro (2) y, en bronce, en Irlanda (3).
En Oceanía, en las islas Haway, aparecen bellos ejemplares de maraca adornados con profusión de plumas (4).
La maraca, pues, instrumento universal, ha pasado también a formar parte de las orquestas de música ligera y de los instrumentos de las orquestas sinfónicas. Efectivamente, en la música culta, uno de los compositores que primero la emplearon fue el indio peruano Teodoro Valcárcel, discípulo de Felipe Pedrell en España, en su obra "Suray-Surita" (Suite de danzas), que publicó en París en el año 1939, y le estrenó parcialmente la Orquesta Sinfónica Nacional de Perú, bajo la dirección del austríaco Theodor Buchwald. Asimismo, el gran compositor brasileño Heitor Villa-Lobos en buen número de sus obras; el mejicano Silvestre Revueltas, y, podemos afirmar, la casi totalidad de los compositores iberoamericanos, la incluyen en algunas de sus obras.
lunes, 28 de septiembre de 2009
Historia del cuatro
El Cuatro, tiene sus orígenes muy remotos, hay quienes afirman que ya existía en el año 3.000 A.C, porque se han encontrado instrumentos similares en Egipto, los que a su vez son derivados de instrumentos Caldeos-Asirios.En el Siglo XVI, la guitarra contaba con cuatro cuerdas y se tocaba rasgueada; la vihuela poseía seis o siete cuerdas y se tocaba punteada, y la contra canaria poseía cinco cuerdas.
Segun Adolfo Salazar, famoso tratadista español sobre instrumentos de cuerdas, el Cuatro llegó a Venezuela con los primeros conquistadores españoles y representa la auténtica guitarra del Renacimiento. Este instrumento es el pariente mas cercano de la guitarra, la cual ha evolucionado hasta producir otros instrumentos parientes.
El Cuatro nace como modificación del Quinto, siempre elaborado en forma muy rústica, usando para ello, trozos de madera autóctono y cuerdas de fibra vegetal, muy duras, las cuales se adelgazaban con conchas de moluscos, más adelante con tripas de animales, siendo disecadas y templadas al sol, a objeto que emitieran sonidos que en cierto modo, igualaran a los expedidos por los instrumentos españoles.
En si, los aborígenes y esclavos, buscaban en ese instrumento que acompañaban con guaruras, pitos, tambores y maracas, momentos de esparcimiento y un aliciente para llevar menos pesada la existencia a la que estaban sometidos por los conquistadores.
De allí, el Cuatro se estampa en persistencia, tanto en momentos de tristeza y soledad, como de felicidad y alegría, dentro del criollismo venezolano.
Para el Siglo XIX, algunos carpinteros de profesión, en sus ratos de ocio, construían este instrumento, solo por afición a la música, para amenizar las parrandas, bailes típicos, etc. Las primeras transacciones que se hicieron con el Cuatro, son las llamadas permutas por los artesanos, ó sea, que a cambio de éste, los carpinteros recibían turrones, arroz con coco, empanadas, jaleas de mango, y otras meriendas típicas, entre otras cosas.
El Cuatro es un instrumento cuya elaboración es manual y envuelve talento,
dedicación y una vida de experiencia. Dado su carácter tradicional, familias enteras
en Venezuela se han dedicado por generaciones a la elaboración de este instrumento.
Las maderas mas utilizadas en su fabricación son el cedro y el pino, generalmente el diapasón y la media tapa se fabrican con maderas preciosas, para que no se rayen ni desgasten con el roce de las uñas.
Es un instrumento para ser ejecutado como solista y también como acompañante, tanto para música ritual como diversional y está presente en todas las regiones de Venezuela.
En Lara, por ejemplo, existe la mayor variedad de cuatros para el acompañamiento del tamunangue, principal manifestación musical del estado.
Para el Siglo XIX, algunos carpinteros de profesión, en sus ratos de ocio, construían este instrumento, solo por afición a la música, para amenizar las parrandas, bailes típicos, etc. Las primeras transacciones que se hicieron con el Cuatro, son las llamadas permutas por los artesanos, ó sea, que a cambio de éste, los carpinteros recibían turrones, arroz con coco, empanadas, jaleas de mango, y otras meriendas típicas, entre otras cosas.
El Cuatro es un instrumento cuya elaboración es manual y envuelve talento,
dedicación y una vida de experiencia. Dado su carácter tradicional, familias enteras
en Venezuela se han dedicado por generaciones a la elaboración de este instrumento.
Las maderas mas utilizadas en su fabricación son el cedro y el pino, generalmente el diapasón y la media tapa se fabrican con maderas preciosas, para que no se rayen ni desgasten con el roce de las uñas.
Es un instrumento para ser ejecutado como solista y también como acompañante, tanto para música ritual como diversional y está presente en todas las regiones de Venezuela.
En Lara, por ejemplo, existe la mayor variedad de cuatros para el acompañamiento del tamunangue, principal manifestación musical del estado.
Estos cuatros se diferencian por el tamaño, el número de cuerdas y su afinación. Se pueden encontrar así el cuatro y medio, el cinco, el cinco y medio, el seis y el octavo.
El arraigo del cuatro en la música venezolana va hasta su adecuación a los nuevos tiempos, tanto en la música popular como en la académica está presente este instrumento.
Los "cuatreros", aunque el término es utilizado en Venezuela para identificar a los ladrones de ganado, cada vez es más popular esta palabra para identificar a los ejecutantes del cuatro.
El cuatro llega al siglo XXI y promete quedarse alojado por siempre en la idiosincrasia de los venezolanos, cantando historias, sonando amores, vibrando cultura.
El arraigo del cuatro en la música venezolana va hasta su adecuación a los nuevos tiempos, tanto en la música popular como en la académica está presente este instrumento.
Los "cuatreros", aunque el término es utilizado en Venezuela para identificar a los ladrones de ganado, cada vez es más popular esta palabra para identificar a los ejecutantes del cuatro.
El cuatro llega al siglo XXI y promete quedarse alojado por siempre en la idiosincrasia de los venezolanos, cantando historias, sonando amores, vibrando cultura.
martes, 22 de septiembre de 2009
Historia del Arpa
Se pintaron arpas en Egipto antiguo tan temprano como en la 4th Dinastía (sobre el siglo 26 AC), y aparecen haber sido muy grandes, más de (1.8 metros) alto. Se supo en la civilización Asiria del siglo 7 y 8 AC de dos tipos de arpas, una tenía su propia caja de resonancia hacia el fondo, la otra hacia arriba.
En el siglo 9 AC el arpa Siria aparece con un bastón de apoyo. Los griegos lo copiaron y ajustaron por en el siglo 4 AC.
Eventualmente este se convirtió en el modelo de arpas en todo Europa Occidental. El arpa más antigua que existe es un instrumento de la civilización Sumeriana, aproximadamente 3000 AC. S
e piensa que el instrumento se originó cuando se estiró una cuerda con cierta inclinación y se aumentó el nº de cuerdas dispuestas en esta configuración.
El arpa contemporánea que utilizaron los solistas y formó parte de orquestas tiene un rango de 6 1/ 2 octavas y usa cuerdas hechas de intestino, la última octava de bordones o bajos lleva encima un hilado de alambre o seda. Este instrumento, como lo diseñaron los griegos antiguos, tiene una caja de resonancia y un encordado que está cerca del ejecutante y ése forma un ángulo agudo con el bastón unido a la caja de resonancia y al diapasón.
por la parte de arriba las cuerdas apoyan en un encorvado de madera o diapasón, el diapasón se una a la caja de resonancia por un punto llamado cuello, y las cuerdas quedan estiradas entre el diapasón y la caja de resonancia. Las arpas modernas tienen un mecanismo para subir el diapasón y estirar mas o menos la cuerdas para cualquiera de los tonos o dos medio tonos.
Este mecanismo fue perfeccionado por Sebastián Erard. Mucho antes, en el siglo 19th se encontraron arpas con pedales que permiten al ejecutante transportar el arpa de tono, subiendo o bajando el diapasón. Otro tipo de instrumento moderno es el arpa cromática, fue perfeccionado a la salida del 20th siglo por Gustave Lyon. Esta arpa no tiene pedales proporcionando tonos cromáticos.
Son grupos de cuerdas entrecruzadas. Un las notas blancas de un teclado del piano y otro grupo de cuerdas atravesadas representan las notas negras de un teclado.
Aunque se ha encontrado este instrumento ingenioso, no ha reemplazado el arpa perfeccionada por Erard. Traducción del Ingles de la enciclopedia Compton´s.
Partes del arpa criolla Venezolana.
1.-El diapasón. Lo constituye el arco superior donde van insertas las clavijas y las cejillas que sirven para tensar y apoyar las cuerdas respectivamente.
2.-El bastón. Es el mástil que sirve de apoyo al diapasón. Une la caja de resonancia con el diapasón.
3.-La caja de resonancia ó cajón. Como su nombre lo indica es la caja sonora que permite al instrumento la resonancia al pulsar las cuerdas.
4.-Las patas. Están ubicadas en la parte inferior de la caja de resonancia, en nº de dos. Llevan en sus extremos regatones de goma suave, para disminuir las vibraciones que se generan entre la madera y el contacto con el piso al ejecutar el instrumento, así como para evitar el desgaste de la madera.
5.-Las cuerdas. Van colocadas entre la caja de resonancia y el diapasón, en nº de 32, para el arpa llanera convencional ó tradicional. Cada cuerda se apoya en una cejilla de hueso, plástico ó metal
6.-Las clavijas. Están insertas en el diapasón en nº igual al nº de cuerdas.
Tipos de cuerdas.
1-PRIMAS (Las 9 primeras).
2-SEGUNDAS (Las 5 .
3-TERCERAS (Las 5 siguientes).
4-CUERDAS DE 1 MILIMETRO (Las 3 siguientes).
5-BORDONES (En Nº de 10 aumentando su grosor cada vez más).
En el siglo 9 AC el arpa Siria aparece con un bastón de apoyo. Los griegos lo copiaron y ajustaron por en el siglo 4 AC.
Eventualmente este se convirtió en el modelo de arpas en todo Europa Occidental. El arpa más antigua que existe es un instrumento de la civilización Sumeriana, aproximadamente 3000 AC. S
e piensa que el instrumento se originó cuando se estiró una cuerda con cierta inclinación y se aumentó el nº de cuerdas dispuestas en esta configuración.
El arpa contemporánea que utilizaron los solistas y formó parte de orquestas tiene un rango de 6 1/ 2 octavas y usa cuerdas hechas de intestino, la última octava de bordones o bajos lleva encima un hilado de alambre o seda. Este instrumento, como lo diseñaron los griegos antiguos, tiene una caja de resonancia y un encordado que está cerca del ejecutante y ése forma un ángulo agudo con el bastón unido a la caja de resonancia y al diapasón.
por la parte de arriba las cuerdas apoyan en un encorvado de madera o diapasón, el diapasón se una a la caja de resonancia por un punto llamado cuello, y las cuerdas quedan estiradas entre el diapasón y la caja de resonancia. Las arpas modernas tienen un mecanismo para subir el diapasón y estirar mas o menos la cuerdas para cualquiera de los tonos o dos medio tonos.
Este mecanismo fue perfeccionado por Sebastián Erard. Mucho antes, en el siglo 19th se encontraron arpas con pedales que permiten al ejecutante transportar el arpa de tono, subiendo o bajando el diapasón. Otro tipo de instrumento moderno es el arpa cromática, fue perfeccionado a la salida del 20th siglo por Gustave Lyon. Esta arpa no tiene pedales proporcionando tonos cromáticos.
Son grupos de cuerdas entrecruzadas. Un las notas blancas de un teclado del piano y otro grupo de cuerdas atravesadas representan las notas negras de un teclado.
Aunque se ha encontrado este instrumento ingenioso, no ha reemplazado el arpa perfeccionada por Erard. Traducción del Ingles de la enciclopedia Compton´s.
Partes del arpa criolla Venezolana.
1.-El diapasón. Lo constituye el arco superior donde van insertas las clavijas y las cejillas que sirven para tensar y apoyar las cuerdas respectivamente.
2.-El bastón. Es el mástil que sirve de apoyo al diapasón. Une la caja de resonancia con el diapasón.
3.-La caja de resonancia ó cajón. Como su nombre lo indica es la caja sonora que permite al instrumento la resonancia al pulsar las cuerdas.
4.-Las patas. Están ubicadas en la parte inferior de la caja de resonancia, en nº de dos. Llevan en sus extremos regatones de goma suave, para disminuir las vibraciones que se generan entre la madera y el contacto con el piso al ejecutar el instrumento, así como para evitar el desgaste de la madera.
5.-Las cuerdas. Van colocadas entre la caja de resonancia y el diapasón, en nº de 32, para el arpa llanera convencional ó tradicional. Cada cuerda se apoya en una cejilla de hueso, plástico ó metal
6.-Las clavijas. Están insertas en el diapasón en nº igual al nº de cuerdas.
Tipos de cuerdas.
1-PRIMAS (Las 9 primeras).
2-SEGUNDAS (Las 5 .
3-TERCERAS (Las 5 siguientes).
4-CUERDAS DE 1 MILIMETRO (Las 3 siguientes).
5-BORDONES (En Nº de 10 aumentando su grosor cada vez más).
viernes, 18 de septiembre de 2009
martes, 8 de septiembre de 2009
HISTORIA DEL CARITE Y LA LANCHA DE NUEVA ESPARTA
Las festividades de los pueblos orientales venezolanos se caracterizan por ser coloridas y cargadas de hermosa música y ritmo, tradicionalmente se encuentran diversos bailes y escenificaciones que representan la cotidianidad y vivir diario del oriental.Específicamente en la bella isla de Margarita, Estado Nueva Esparta nace un baile representativo de la vida de los pescadores de la zona llamado El Carite, es una danza realmente muy pintoresca cuyo tema central es la historia de unos pescadores que embarcan una lancha llamada “Nueva Esparta” y que cuentan todas las aventuras y peripecias vividas por los pescadores que la ocupan para atrapar un gran pez llamado El Carite...la canción comienza y se hace la representación de cuanto va sucediendo
...Ayer salió la lancha Nueva Esparta,salió confiada a recorrer los mares...y encontró un pez de fuerza muy ligeraque arranca los anzuelos y revienta los párales....
La representación es realizada por hombres y mujeres que en una comparsa ejecutan movimientos que atacan al pez que es representado por un hombre que lleva una figura realizada en cartón y coloridamente adornada y que cubre la cabeza y medio cuerpo de este, los otros integrantes de la comparsa defienden la lancha, todo los movimientos se ejecutan en torno a la embarcación, entre giros y movimientos acompasados finalmente el pez es pescado y llevado a la lancha, el hombre que representa el pez lo entrega...
...Como la cosa es bonitayo me vengo divirtiendopero me viene siguiendo de afuerauna piragüita...
Una vez pescado el carite, las mujeres vestidas con faldas largas y blusas propias de la zona y que llevan además una cesta en la cabeza, reparten simbólicamente el producto de la pesca y la gente a cambio cancela algo de dinero. Los hombres vestidos como pescadores típicos de la región llevan pantalón arremangado a la media pierna, franela a rayas y un sombrero de moriche típico del estado Nueva Esparta.
En la realidad El Carite es un pez grande de carne muy apreciada y de sabor delicioso, que forma parte de la comida típica margariteña, es parte importante de la dieta del oriental, por lo que no es de extrañar que se hiciera esta representación en su nombre.
Este baile es una de las representaciones más autóctonas de las tradiciones típicas del pueblo oriental, es hermosa, colorida y orgullo de nuestra región costera.
Comenzó a bailarse como producto de la necesidad del pueblo por expresar sus vivencias cotidianas, su día a día, sus experiencias diarias. Se volvió una tradición y desde los más pequeños hasta los mas grandes la conocen, además del Carite existen otra representaciones folklóricas parecidas que son típicas de oriente entre ellas el pez volador, el pájaro guarandol , etc.
Estos bailes se denominan “diversiones”, se reconocen por estar conformadas por actores y músicos que salen a recorrer las calles siendo estas su escenario público.
sábado, 15 de agosto de 2009
Crea tu propia mascara de los Diablos de Yare y diviertete
Materiales
Para el molde:
arcilla blanda (blanca), yeso vaciado, madera tallada, cemento.
- Máscara: pinturas brillantes, papel periódico y papel de bolsa grueso, engrudo de almidón o cola plástica.
- Cachos: un cacho de res vacuna.
ELABORACIÓN DEL MOLDE (Hay dos formas):
ELABORACIÓN DEL MOLDE (Hay dos formas):
1. Mediante un vaciado de yeso sobre cualquier máscara ya elaborada:
- Colocar sobre la parte interna de la máscara ya elaborada una bolsa plástica, cuidando que no esté rota y que no sea de textura muy fuerte.
- Hacer la mezcla de yeso, y vaciarla encima del plástico.
- Dejar secar la mezcla.
- Despegar el yeso ya seco de la máscara tomada como base.
2. Trabajando la arcilla, lo que implica un trabajo de mayor acabado, destreza y creatividad:
- Elaborar el molde a través de un modelado en arcilla blanca. Esta es la manera como lo hace la mayoría de los realizadores en Yare.
LA MÁSCARA
- Remojar pedazos de periódicos no muy pequeños, en agua.
- Colocarlos sobre el molde previamente elaborado. Hacer dos capas, la segunda un poco más tupida y haciendo presión sobre la primera.
- Colocar trozos de periódicos engomados sobre la segunda capa. Esto se realiza de seis a ocho veces, siendo la œltima capa, preferiblemente, de bolsa marrón un poco gruesa.
- Dejar secar, quitar la máscara del molde. Internamente quedarán pedazos de las primeras dos capas sueltas; pegarlas con goma o engrudo.
- Recortar los sobrantes de los bordes.
- Hacer los orificios de la boca, ojos, nariz y cachos.
LOS CACHOS (Cuernos).
- Realizar el mismo procedimiento de la máscara, usando, esta vez, de molde un cacho de vaca.
- Al secar, colocar en la parte superior de la máscara, donde se abrieron los huecos para que los cachos pasen.
- Ajustar los cachos utilizando su base inferior.
- Con un pedazo de cartón cortar las orejas y pegarlas debajo de los cachos.
* Decorar y pintar la máscara.
Musica de los Diablos de Yare
En relación a la música, debemos apuntar que a nuestro modo de ver, además de la indumentaria, esta es de suma importancia, pues "con ella se acompañan y bailan los diablos". Con toques de la caja, que es el instrumento principal, se guían los acordes con cencerros y maracas. Estas expresiones reciben el nombre de "Toque Corrío" y "La Bamba", que en su función y estructura toman de la mano a los "diablos" en su andar por las calles, frente a la Iglesia y en las casas que se visitan.
LA PROCESIÓN
En esta festividad folclórica se rinde devoción al Santo Patrono San Francisco de Paula, al Santísimo Sacramento y a Jesucristo. La celebración comienza el miércoles con un velorio donde se cantan fulías, recitan décimas, rezan rosarios y salves hasta el amanecer. Al día siguiente -jueves de Corpus- los promeseros vestidos de diablos realizan danzas alrededor de la plaza y se ubican frente a la iglesia. Una vez finalizada la misa, la eucaristía es colocada a las puertas de la iglesia y es cuando se establece una especie de lucha entre los diablos y la custodia. Finalmente, los diablos se rinden ante el Santísimo y se arrodillan en señal de sumisión, de esta forma representan la victoria del bien sobre el mal. Los diablos recorren las calles, vestidos de rojo y con máscaras, bailando al ritmo de un corrío y, ya cuando están ante el altar o se rinden en señal de respeto, bailan a ritmo de bamba, que es un toque más reverencial.
Las Máscaras
Manuel Sanoja es el creador de las máscaras multicolores y con formas de vaca, toro, cochino, etc. El número de cachos de cada máscara representa un orden jerárquico: la máscara que posee cuatro cachos representa al Diablo Mayor, la que tiene tres simboliza al Segundo Capataz, Tercer Capataz o los Arreadores y, por último, la máscara de dos cachos representa a los Diablos Rasos o Promeseros.
LA PROCESIÓN
En esta festividad folclórica se rinde devoción al Santo Patrono San Francisco de Paula, al Santísimo Sacramento y a Jesucristo. La celebración comienza el miércoles con un velorio donde se cantan fulías, recitan décimas, rezan rosarios y salves hasta el amanecer. Al día siguiente -jueves de Corpus- los promeseros vestidos de diablos realizan danzas alrededor de la plaza y se ubican frente a la iglesia. Una vez finalizada la misa, la eucaristía es colocada a las puertas de la iglesia y es cuando se establece una especie de lucha entre los diablos y la custodia. Finalmente, los diablos se rinden ante el Santísimo y se arrodillan en señal de sumisión, de esta forma representan la victoria del bien sobre el mal. Los diablos recorren las calles, vestidos de rojo y con máscaras, bailando al ritmo de un corrío y, ya cuando están ante el altar o se rinden en señal de respeto, bailan a ritmo de bamba, que es un toque más reverencial.
Las Máscaras
Manuel Sanoja es el creador de las máscaras multicolores y con formas de vaca, toro, cochino, etc. El número de cachos de cada máscara representa un orden jerárquico: la máscara que posee cuatro cachos representa al Diablo Mayor, la que tiene tres simboliza al Segundo Capataz, Tercer Capataz o los Arreadores y, por último, la máscara de dos cachos representa a los Diablos Rasos o Promeseros.
Vestimenta de los Diablos de Yare
Los diablos se visten de pantalón y camisa y capa de colores vivos, las capas van de los hombros a las rodillas y llevan adheridas cascabeles y sonajeros. Las máscaras son de colores llamativos y apariencia feroz, de diferentes colores y se realizan de distintos materiales , varían también de acuerdo a la región que los identifica.
El disfraz contiene:
El Rabo:
Especie de cola que va adherida al pantalón y en la punta de la cola lleva una campanilla.
Los Cencerros:
Están constituidos por latas y campanas que cuelgan de una correa que se coloca alrededor de la cintura del diablo.
El Mandador:
Es un látigo que simboliza el poder que llevan los diablos en la mano izquierda y se utiliza para amedentrar a cualquiera que se interfiera por el camino del danzante.
La Maraca:
Que se lleva en la mano derecha marca el ritmo de la danza, que es acompañada con música instrumental y tiene carácter reiterativo.
LOS PERSONAJES
Sólo los hombres pueden ser diablos, visten de alpargatas, pantalones y camisas completamente rojas, llevan palmas benditas y rosarios. La jerarquía es definida entonces por las máscaras: el primer capataz usa cuatro cachos; segundos y terceros capataces tres cachos; los arreadores también tres, pero más delgado el del medio; los asistentes de arreadores tienen el tercer cacho más pequeño. Las mujeres visten de faldas rojas y camisas blancas, no llevan máscaras.Existe la Diabla Mayor, que es la primera capataz, luego las asistentes y arreadoras, que se encargan de recoger a los rezagados.
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